Натюрморт

Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Перейти к: навигация, поиск
Виллем Кальф. Натюрморт с фарфоровой вазой, кувшином позолоченного серебра и бокалами, ок. 1643-1644. Холст, масло 55.6 х 44.5 см. англ. Музей искусств округа Лос-Анджелес
Анри Фантен-Латур. Натюрморт с цветами и фруктами. 1865. Музей Орсе. Париж

Натюрмо́рт (фр. nature morte — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV—XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.

Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию — либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо — в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов — в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.

Нидерландский натюрморт XVII века[править | править вики-текст]

Нидерландский натюрморт представлял собой уникальное культурное явление XVII века, оказавшее влияние на дальнейшее развитие всей европейской живописи. «Малые голландцы» отразили в своих работах мир предметов, живущих своей тихой, застывшей жизнью. Термин «застывшая жизнь» (голл. stilleven, нем. Stilleben, англ. still-life) стал употребляться для обозначения жанра в середине XVII века, поначалу в Нидерландах. До этого художники называли подобные картины, описывая сюжет: «Маленький завтрак», «Букет цветов», «Охотничий трофей», «Суета сует». Основной перевод указанного термина, встречающийся в литературе — «тихая, неподвижная жизнь».

Виллем Клас Хеда. Пример натюрморта на аллегорическую тему.

Существовало несколько важных факторов, повлиявших на столь бурное развитие натюрмортной живописи. Во-первых, удивительный для небольшой страны уровень достижений в общественных науках, математике, физике и естествознании. Так, великолепные нидерландские географические карты и атласы славились во всей Европе, открытия учёного-зоолога Левенгука получили всемирную известность, нидерландские мореплаватели привозили из путешествий в экзотические страны разнообразные редкости, растения, посуду, интересные технологии изготовления вещей. Словно на витрине, расставлены перед зрителем кухонная утварь, цветы, фрукты, предметы быта — возможно, чтобы рассказать о благосостоянии родины, ведь эстетика натюрмортов была приятна и иностранцам, приобретавшим картины для украшения своего дома.

Ян Баптист Веникс. «Натюрморт с мёртвым лебедем».

Цветочный натюрморт[править | править вики-текст]

Начиная с 40-х годов XVII века, натюрморт в нидерландской живописи получил широкое распространение как самостоятельный жанр. Одним из самых первых выделился цветочный натюрморт в произведениях таких художников, как Амброзиус Босхарт Старший и Бальтасар ван дер Аст, и далее продолжал своё развитие в роскошных натюрмортах Яна Давидса де Хема и его последователей уже во второй половине XVII столетия. Причины популярности цветочного натюрморта можно найти в особенностях быта нидерландского общества — традиции иметь сады, загородные виллы или комнатные растения — а также благоприятных природных условиях для развития цветоводства.

Учёный натюрморт[править | править вики-текст]

Зародившийся в университетском Лейдене жанр «учёного» натюрморта, получает название «суета сует» или «memento mori» и является наиболее интеллектуальным видом натюрморта, требующим от зрителя знания Библии и традиций религиозной символики (характерны картины Питера Стенвейка и Давида Байли). Часто в натюрмортах этого направления присутствуют иллюзионистские приемы, создающие искусный обман зрения. В свою очередь увлечение иллюзионистской передачей натуры привело к возникновению особого вида натюрморта — так называемых «обманок». Такие натюрморты были особенно распространены в середине XVII века и снискали невероятную популярность в стране и за её пределами.

Виды и мастера нидерландского натюрморта[править | править вики-текст]

Ванитас Яна Давидса де Хема

Натюрморт в русской живописи 18-20 веков[править | править вики-текст]

С. Осипов. Васильки. 1976

Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нём первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца XIX века натюрморт, в отличие от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.

В 30-40-е годы ХХ столетия это развитие приостановилось, но уже с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.

Российские и советские мастера реалистического натюрморта[править | править вики-текст]

Выставки натюрморта[править | править вики-текст]

  • Натюрморт. Выставка произведений ленинградских художников 1973 года. — Л: Художник РСФСР, 1973.
  • Натюрморт в живописи 1940—1990 годов. Ленинградская школа. Каталог выставки. — Санкт-Петербург: Мемориальный музей Н. А. Некрасова, 1996.

Литература к разделам 1. и 2.[править | править вики-текст]

  • Серов А. Этюды натюрморта // Художник. 1961, № 2. С.43-47.
  • Виппер Б. Р. Очерки голландской живописи эпохи расцвета. М. 1962
  • Натюрморт. Выставка произведений ленинградских художников 1973 года. — Л: Художник РСФСР, 1973.
  • Виппер Б. Р. Проблема развития натюрморта, Спб, 2005
  • Геташвили Н. В. Художественные направления и стили. Малые голландцы. М. 2004
  • Доброклонский М. В., Никулин Н. Н. Искусство Голландии XVII века. История искусства зарубежных стран XVII—XVIII веков под ред. В. И. Раздольской, М. 1988
  • Натюрморт в живописи 1940—1990 годов. Ленинградская школа. Каталог выставки. СПб., Мемориальный музей Н. А. Некрасова, 1996.
  • Звездина Ю. Н. Эмблематика в мире старинного натюрморта. К проблеме прочтения символа. М., 1997
  • Тарасов Ю. А. Голландский натюрморт XVII века, Спб, 2004 г.
  • Фехнер, Елена. Голландский натюрморт XVII века в собрании Государственного Эрмитажа. — Ленинград: Изобразительное искусство, 1990. — 176 с. — (Собрание Государственного Эрмитажа). — 30 000 экз. — ISBN 5852001368.
  • Кузнецов, Ю. И. Голландская живопись XVII-XVIII веков в Эрмитаже. Очерк-путеводитель. — Ленинград: Искусство, 1984. — 256 с. — 50 000 экз.
  • Кузнецов, Ю. И. Западноевропейский натюрморт. — Советский художник, 1966. — 224 с.
  • Щербачева, М. И. Натюрморт в голландской живописи / Государственный Эрмитаж. — Ленинград: Издательство Академии наук СССР, 1945. — 72 с. — 5000 экз.

Ссылки к разделу[править | править вики-текст]

Натюрморт XX-XXI веков[править | править вики-текст]

Пабло Пикассо. Гитара [1]
После оккупации фашистами города Лодзи в 1939 году местонахождение неизвестно.
Жорж Брак
Натюрморт с бутылками бокалами. 1912
Холст, масло 33 × 45.7 см.
Музей искусств Далласа, штат Техас, США

Взгляд на натюрморт, как на жанр, предоставляющий художнику обширное поле для экспериментов, утвердился после новаторских шагов, сделанных в этой области в конце XIX — в начале XX века Полем Сезанном, Одилоном Редоном, Полем Гогеном, Анри Матиссом.

Кубизм[править | править вики-текст]

Наиболее радикальный слом эстетической традиции в первые годы XX века был предпринят, наряду с фовистами и экспрессионистами, молодым Пабло Пикассо (1881—1973) в его смелых опытах по обобщению форм в до-кубистической “творческой кухне” (Натюрморт с мёртвой головой, 1907. Холст, масло 115 × 88 см; Бидон и миски, 1908. Картон, масло. 66 × 50,5 см; Кувшин, бокал и книга. 1908. Холст, масло 55 × 46 см; Букет цветов в сером кувшине. 1908. Холст, масло. 81 × 65 см; Ваза с фруктами, 1909. Холст, масло. 91 × 72,5 см. все — Государственный Эрмитаж); а уже через 3-5 лет — в серьёзном и убедительном рывке в направлении “неведомых континентов” — в фр. синтетической стадии кубизма Жоржа Брака (1882—1963) и того же Пикассо, особенно в серии изготовленных из картона и дерева трёхмерных формах [3][4].

Кубофутуризм[править | править вики-текст]

Почти мгновенно эстафету по выходу из живописной плоскости в трёхмерное пространство подхватывают русские кубофутуристы; например, Владимир Татлин использовавший фрагменты изготовленных промышленным способом реальных предметов: крышку стола, водосточные трубы, те же газетные заголовки. Ему, как и Казимиру Малевичу (Алогизм: Корова и скрипка, 1913. Дерево, масло 48.8 × 25.8 см. ГРМ) суждено было определять в своих поисках нового пространственно-временного измерения (Композиция с Моной Лизой / Частичное затмение. 1914. Холст, масло 62 × 49.5 см.), в контр-рельефах пути нового искусства.

Любовь Попова (1889—1924)
Кувшин на столе. 1915
Гнутый картон, наклеенный на деревянную панель, масло 59,1 × 45,3 см. ГТГ, Москва

Метафизическая живопись. Новая вещественность[править | править вики-текст]

В атмосфере духовного кризиса в годы, последовавшие за Первой мирововой войной, искусство стояло на развилке. Ряд художников, ещё с военного времени включившихся в бурный протест против безумия есропейских правительств, решались на всё более радикальные разрывы с традицией (Дадаизм, Баухаус, Неопластицизм). Другие обратились к так называемой внутренней эмиграции, погружаясь в диалог с художниками прошлых эпох, ища защиты у древней, как мир, традиции. Вот перед нами классически выверенные, но часто драматически напряжённые натюрморты причисляемого к магическим реалистам Александра Канольдта, 1881—1939. В метафизических натюрмортах Джорджо Моранди, 1890—1964 предметы прижимаются друг к другу, образуя плотные группы, словно стремясь сохранить тепло, страшась внешнего холода и агрессии.

Стюарт Дэвис (1894—1964) [5] Lucky Strike, 1921.
Холст, масло 84.5 × 45.7 см. MoMA, Нью-Йорк]

В живописи бельгийского сюрреалиста Рене Магритта, 1898—1967 перед нами раскрываются тревожные инверсии предметного мира («Портрет», 1935. Холст, масло 73.3 × 50.5 см. Коллекция MoMA); движение времени обращается вспять в мастерски исполненных полотнах Сальвадора Дали, 1904—1989, таких как («Постоянство памяти», 1931).

Послевоенное искусство[править | править вики-текст]

Фернан Леже. Большой подсолнух. 1952 [6]
Полихромная скульптура (крашенная бронза). Высота 354 см.
Музей изящных искусств, Монреаль, Канада
Джорджо Моранди. Натюрморт, 1956
Частная коллекция

В искусстве после 1945 года, происходит тотальное вытеснение иллюзий: представленный художником предмет (если речь идёт о репрезентативном искусстве), чаще всего есть то, что он есть, не более. Художник отбрасывает умозрительность пространства, переключая внимание зрителя от глубинного погружения в построенную художником “сценическую коробку” на осознание им своего собственного окружения (будь то городская улица или залы галереи). На подобном эффекте построено ставшее распространённым после Второй мирововой войны искусство инсталляции, объединившее в одно целое и скульптуру, и живопись, и архитектуру. Зритель, обозревая инсталляцию, становится участником своеобразного спектакля, участвуя телесно в событии искусства, и вынужден отбросить привычную пассивную позицию стороннего наблюдателя. Зритель, подобно Гулливеру в Бробдингнеге (Стране Великанов), не разгуливает по залам галереи, а перенесён сквозь воображаемую четвёртую стену, — или, скорее, стекло, — внутрь натюрмортной постановки, и волен обходить и разглядывать предъявленные ему “кувшины” и “драпировки” со всех сторон.

Поп-арт[править | править вики-текст]

Энди Уорхол
Банка с супом Кэмпбелл, 1968

Коммерческая реклама во второй половине XX века всячески поощряла у изголодавшейся публики алчное отношение к земным радостям, ненасытимое потребление. Отсюда — фетишизация предмета. Этот сюжет нашёл бесконечные воплощения в пластических искусствах. Рассмотрим, как преобразуются элементы натюрмортного жанра под натиском массовой культуры в работах наиболее известных художников поп-арта.

Клас Олденбург (р. 1929)
Иголка с ниткой, 2000 [7]
(Сталь, высота 18 м)
Милан, Италия

Из интервью Класа Олденбурга (1964):

Я имею дело с очень простыми вещами, из тех, что попадались мне в те дни, когда я ходил на работу. Это содержимое определённого рода витрин или реклама, которую я, естественно, видел каждый день, как неотъёмлимую часть городского пейзажа. «Витрина с кондитерскими изделиями» — именно такой эпизод повседневности. Десерты представлены прохожему, как призыв к наслаждению, как предложение попробовать реальные угощения. Но мне хотелось подчеркнуть различие между заманчивыми призывами купить эти аппетиные деликатесы и их очевидной искусственностью. <...> это своего рода напряжение неудовлетворённости, “разочарования в ожиданиях”.

ВИДЕО (англ.), выставка, прошедшая с 14 апреля по 5 августа 2013 в MoMA, Нью-Йорк.

Фотореализм[править | править вики-текст]

Возвращение к предельной достоверности живописи в движении фотореализма, зародившемся в Европе и США в конце 1960-х, породило множество первоклассных, но анахронистских для эпохи культурной революции и молодёжного бунта вещей (не даром сами фотореалисты так часто вспоминают Золотой век голландской живописи). Единицы из гиперреалистов сохранили историческую ценность через 30-40 лет, и среди них одна из первых, заявивших о себе в этом новом течении, выпускница Йельского и Нью-Йоркского университетов, англ. Одри Флэк, р. 1931 (См: В память о Мэрилин (Vanitas) [8] 1977. 244 × 244 см). Достойны упоминания и такие художники-фотореалисты, как англ. Дон Эдди, р. 1944, в основном работающий над эффектами бесконечно сверкающих отражений в витринах магазинов (см: Серебряные туфли. 1972. Холст, акрил 102.8 × 103.5 см. Галерея Нэнси Хоффман, Нью-Йорк). Интересный взгляд на физическое устройство наружной рекламы, предстающей в лучах яркого солнца подобно каллиграфическому узору, даёт англ. Роберт Коттинхэм, р. 1935: Roxy, 1972 (холст, масло 199.5 × 199.5 см).

англ. Ралф Гоингс. Обед Ралфа, 1981
Холст, масло 112.4 × 168.9 см
Alpert Family Trust

Нео-поп[править | править вики-текст]

Современный натюрморт, продолжающий, как и поп-арт, как и гиперреализм, взаимодействовать с актуальным состоянием цивилизации, представлен художниками направления нео-поп, поставившими на промышленный поток бурлескные находки поп-артистов.

Джефф Кунс
Тюльпаны. 1995-2004
Хромированная сталь, цветной лак. Музей Гуггенхайма, Бильбао.

Мастера формалистического натюрморта (СССР, Россия)[править | править вики-текст]

Литература к разделу 3. (Натюрморт XX-XXI веков)[править | править вики-текст]

Примечания[править | править вики-текст]

  1. Картина Пикассо «Гитара» была подарена польским писателем и философом Станиславом Виткевичем (1885—1939) музею истории и искусства города Лодзи в 1932 году и бесследно исчезла в годы Второй мировой войны
  2. На примере «Натюрморта с кувшином и имбирём» Пита Мондриана (1872—1944) можно проследить, как ограниченная в своём объёме форма начинает постепенно обретать связи с окружающим её пространством, и сами эти связи образуют новую систему координат, не противоречащую форме, но придающей ей новую пространственность, стереоскопичность.
  3. Пабло Пикассо. Мандолина и кларнет, 1913. Раскрашенный картон, дерево.
  4. Фотография одной из скульптурных «Гитар», исполненных Пикассо ок. 1912 из картона, в окружении строгих рисунков кубистических натюрмортов, напоминающих различные проекции, разъясняющие в чертежах эту объёмную вещь. (Выставка «Минус—пространство» Пабло Пикассо, MoMA, Нью-Йорк, 2011).
  5. Творчество Стюарта Дэвиса, как и Чарлза Демута (1883—1935), и англ. Гералда Мёрфи (1888—1964), вдохновляло многих молодых американских художников, стоявших у истоков движения поп-арт (см: Wayne Craven. American Art: History and Culture. — Revised edition. — McGraw-Hill Humanities/Social Sciences/Languages, 2002. — P. 464. — 688 p. — ISBN 0072823291.)
  6. Сходное произведение Фернана Леже (1881-1955), отлитое в 2000 году в Италии, было продано (англ.) (ноябрь 2014) на аукционе в Далласе (штат Техас, США) за $300 000.
  7. См: Описание „монумента“ работы Класа Олденбурга, «Иголка с ниткой» (англ.), установленного в январе 2000 года на англ. Пьяццале Кадорна (площади маршала Луиджи Кадорны) в Милане.
  8. На сайте художницы Одри Флэк можно увидеть также её абстракции, акварели, скульптуры.

См. также[править | править вики-текст]