Модерн

Материал из Википедии — свободной энциклопедии
(перенаправлено с «Ар нуво»)
Перейти к навигации Перейти к поиску
Модерн
Лестница в Особняке Тасселя, Виктор Орта, Брюссель. Входит в список объектов всемирного наследия ЮНЕСКО
Лестница в Особняке Тасселя, Виктор Орта, Брюссель. Входит в список объектов всемирного наследия ЮНЕСКО
Концепция отказ от симметрии; естественные, «природные» линии; растительные орнаменты; использование народных мотивов, творчества символистов, прерафаэлитов, импрессионистов
Дата основания 1880-е
Дата распада 1914
Commons-logo.svg Медиафайлы на Викискладе


Моде́рн (от фр. moderne — современный) — художественное направление в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве, распространённое в последнем десятилетии XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны). Основная художественная идея, доминировавшая в этот период — преодоление эклектизма предыдущего развития, поиск гармонии искусства и жизни в промышленную эпоху. Мастера модерна стремились сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека, реализовать идеи «преображения жизни средствами искусства». В этом они следовали традициям романтизма и символизма.

Отличительными особенностями модерна являются отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям, а также расцвет прикладного искусства.

Наименование и интерпретация термина[править | править код]

В европейских странах и странах Северной Америки стиль имел разные названия: во Франции — «Aр-нуво» (фр. Art nouveau — «Новое искусство») или «Конец века» (фр. Fin de siècle); в Англии — «Современный стиль» (англ. Modern style); в Германии — «Югендштиль» (нем. Jugendstil — «Молодой стиль» — по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Jugend); в Австрии, Чехии и Польше — «Сецессион» (нем. Secession — «Отделение, обособление»); в Шотландии — «Стиль Глазго» (англ. Glasgow style); в Бельгии — «Стиль двадцати» (фр. Style vingt — по наименованию «Общества XX», созданного в 1884 году); в Италии — «Стиль Либерти» (итал. Stile Liberty); в Испании — «Модернизмо» (исп. Modernismo); в Нидерландах — «Новое искусство» (нидерл. Nieuwe Kunst); в Швейцарии — «Еловый стиль» (фр. Style sapin); в США — «Стиль Тиффани» (англ. Tiffany's Style — по имени американского художника Л. К. Тиффани); в России — «Модерн».

Термин «модерн» был впервые использован в 1894 году в бельгийском журнале «Современное искусство» (фр. L'Art Moderne) бельгийским писателем Эдмоном Пикардом для описания художественного произведения Генри ван де Вельде — одного из участников художественного объединения «Общества XX».

Среди специалистов нет единодушия в определении статуса этого важнейшего историко-культурного феномена. Одни утверждают его в качестве художественного стиля (Д. В. Сарабьянов), другие — эпохи или периода в истории искусства, в границах которого сосуществовали различные стилевые течения (В. С. Горюнов и М. П. Тубли, В. Г. Власов), третьи — «историко-культурного понятия, подобного бидермайеру» (Г. Ю. Стернин)[1]. Несмотря на принципиальную антиэклектическую направленность (стремление художников преодолеть эклектику предыдущей эпохи), в искусстве модерна сохраняются черты историзма художественного мышления[2].

Идея, стилевые особенности и классификация модерна[править | править код]

В 18601870 годы в искусстве стран Западной Европы доминировало художественное направление историзма, идеология которого заключалась в повторении и интерпретации художественных стилей прошлого. Стремление противопоставить ретроспективизму и эклектизму оригинальное творчество объединяло новые художественные течения и школы в разных странах. В результате в 1880-е годы в произведениях ряда мастеров начал вырабатываться новый стиль.

Идея модерна[править | править код]

Одной из основных идей стиля модерн было разрушение традиционного различия между изобразительным искусством, особенно живописью и скульптурой, и прикладным искусством. Это было наиболее широко использовано в дизайне интерьера, графике, мебели, стекле, текстиле, керамике, ювелирных изделиях и металле. Стиль отвечал ведущим теоретикам XIX века, таким как французский архитектор Эжен-Эммануэль Виолье-ле-Дюк и британский искусствовед Джон Рёскин. В Британии на него оказали влияние Уильям Моррис и движение «Искусств и ремесел» . Немецкие архитекторы и дизайнеры искали духовно возвышающего «Единение искусств» (нем. Gesamtkunstwerk), которое объединит архитектуру, обстановку и искусство в интерьере в едином стиле.

Основные принципы стиля первым сформулировал активнейший идеолог и практик модерна Ван де Вельде. По его мнению утилитарная конструкция, может быть красивой и без орнамента; орнаментальное, эстетическое начало заложено в самой форме предмета. Ван де Вельде представляет "абстрактное" направление модерна; стилизованному растительному орнаменту т. н. "флореального" направления он противопоставляет динамический линейный орнамент, как более соответствующий новой технике в архитектуре и художественной промышленности.[3]

Стилевые особенности[править | править код]

Основной признак стиля - декоративность; основной мотив - вьющееся растение; основной принцип - уподобление рукотворной формы природной и наоборот.

Наиболее заметная особенность модерна — отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых, как подражание природным формам растений. Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. В формах модерна преобладал — отказ от симметрии, вертикальные, стремящиеся ввысь доминанты, перетекание форм одна в другую. Преобладающими цветами являлись приглушенные оттенки — цвет увядшей розы, табачные цвета, жемчужно-серые, серо-голубые, пыльно-сиреневые тона. Для интерьера характерны сочетание плоскостей, изогнутая мебель; в отделке — наличие мозаики, эмали, золотых фонов, чеканка по меди и латуни. Конструкции стиля — часто каркасные (несущим элементом является стальной каркас). Окна — прямоугольные, вытянутые кверху, часто с богатым растительным декором, иногда арочные, «магазинные окна» — широкие, наподобие витрин. Двери стиля модерн — прямоугольные, часто арочные плоской формы, с мозаичным орнаментом, декорированные[4].

Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполнены в едином ключе. Вследствие этого возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике, книжной графике.

Заметное влияние на стиль модерна оказало искусство Японии, ставшее более доступным на Западе с началом эпохи Мэйдзи. Художники модерна также черпали вдохновение из искусства Древнего Египта и других древних цивилизаций.

Модерн прибегал к эклектике, включал в себя множество течений и стилевых направлений: неоромантизм — использовались элементы романского стиля, готики, ренессанса и других стилей; неоклассицизм; рационализм, направление с преобладанием более простых форм; иррационализм; кирпичный стиль, когда архитекторы отказывались от штукатурки, и все декоративные детали здания выполнялись из кирпича. В зависимости от территориальной принадлежности он носил различные названия: венский, берлинский и парижский модерн — в Западной Европе, московский, петербургский, рижский и провинциальный модерн — в России и других странах Восточной Европы[4].

Вышивка «Удар бича»

Характерными особенностями стиля являлись: декоративность, мифологизация, театрализация, идея синестезии, плоскостность, ориентация на органическое начало, «витализм», саморазвитие форм, ритмичность, линеарность, принцип динамического равновесия, равноценность изображения и фона, акцентировка пятна и силуэта, двойное преображение, смешение традиций Востока и Запада[5]

Фирменным знаком линии модерна стала вышивка "Удар бича". Этот термин появился в результате узора на вышивке портьеры 1895 года «Альпийские фиалки», созданного по рисунку швейцарского художника Германа Обриста. В узоре активно выделялись вычурные росчерки стеблей, которые кто-то из критиков сравнил с «яростными изгибами обрушивающегося бича».

Классификация[править | править код]

Разделение модерна на отдельные периоды и стили условно. Модерн, как ни один из других стилей, впитал в себя различные направления и подвергся влиянию многих национальных культур и традиций, что даже специалистам сложно определить, где заканчивается историзм и начинается модерн, и где заканчивается модерн и начинается ар-деко.

Традиционно в модерне выделяются два основных направления: конструктивное (Австрия, Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция, Германия). Кроме того, в Италии и России сильное влияние на него оказали национальные традиции: в этих странах образцы модерна носили отпечаток традиционных форм: неорусский стиль в архитектуре России (не путать с псевдорусским стилем, который относился к периоду историзма). В северных странах (Скандинавия, Финляндия, Прибалтика) также выделяется так называемый национальный романтизм, черпающий вдохновение из народной культуры этих стран, в случае, например, Прибалтики прежде практически не проявлявшейся в каменной архитектуре.

Хронология стиля[править | править код]

Предшествующий модерну период развития искусства в Европейских странах[править | править код]

Общая характеристика периода предмодерна[править | править код]

Развитию стиля модерн в искусстве предшествовал период становления. Период раннего развития модерна принято называть модернизмом. Это течение формировалось в разные годы, в разных странах и различными художниками, как правило, не знавшими друг друга, но связанными общими идеалами и идеями. Направления модернизма не были связаны с национальными традициями стран, в которых они развивались. Кубизм во Франции не имел ничего общего с культурой Франции. Ярким примером такого несоответствия может служить Эйфелева башня, которая, по мнению интеллигенции того времени, совершенно не вписывалась в архитектуру Парижа и вызвала бурю негодований. Отрыв модернизма от национальных традиций заложил основу для «интернационального стиля», не имеющего границ. Отказ от национальных традиций воспринимался как стремление к космополитизму.

Первыми модернистами были художники, творившие на рубеже конца XIX века, которые считали, что духовная революция, которая, по их мнению, неизбежно рождалась из кризиса старого мира, требовала отказа от социально-политического радикализма. Новой идейной платформой стала духовная революция как качественно новое сознание, новое жизнепонимание. В её основе лежали интуитивизм А. Бергсона и Н. Лосского, феноменология Э. Гуссерля, психоанализ Зигмунда Фрейда и Карла Юнга, экзистенциализм Сёрена Кьеркегора, Мартина Хайдеггера, Карла Ясперса, Николая Александровича Бердяева и др. Теоретическую основу будущего стиля сформулировал Уильям Моррис, однако развитием идей раннего модерна занимались многие художники эпохи предмодерна[4].

Большое влияние на формирование стиля оказало искусство Востока, в частности Японии. В 1860-х годах в Европе начало проявляться дальневосточное влияние. Начиная с 1862 года у любителей искусства из Лондона или Парижа появилась возможность приобретать японские произведения искусства, так как в этом году Япония была впервые представлена на Международной выставке в Лондоне. Также в 1862 году в Париже был открыт магазин "Китайские ворота" (фр. La Porte Chinoise), где продавались японские укиё-э и другие объекты с Дальнего Востока. В 1867 году появились примеры китайских орнаментов Оуэна Джонса, а в 1870 году О. Х. Мозер и Т. У. Катлер опубликовали книги о японском искусстве. Некоторые художники, такие как Виктор Орта, собрали коллекцию экспонатов дальневосточного искусства, в том числе японского.

С 1870-х годов в Европу были привезены работы японских мастеров по ксилографии Кацусика Хокусая и Утагавы Кунисады. Предприниматель Зигфрид Бинг основал ежемесячный журнал "Художественная Япония" (фр. Le Japon artistique) и в период с 1888 года по 1891 году опубликовал тридцать шесть выпусков журнала, содержащих Японские гравюры. Это событие оказало влияние, как на коллекционеров, так и на художников, в том числе на Густава Климта. Стилизованные черты японских гравюр стали появляться в графике, фарфоре, ювелирных изделиях и мебели модерна.

Развитие предмодерна в Великобритании[править | править код]

Родоначальником модерна считается Англия — старейшая страна капитализма. Первые признаки зарождения нового стиля становятся заметны ещё в работах художников до романтической эпохи. Пьюджин, Огастес — один из представителей неоготического стиля, проживавший в Англии в период с 1830 — хх по 1850 — е годы, в своих работах предвещает необычайную декоративную насыщенность стиля присущую модерну, а также свободу форм, силу цвета, борьбу между архитектурой и декором, которая является одним из главных художественных сражений второй половины XIX века. Кроме того, кривые и цвета используемые в работах движения прерафаэлитов в 1850-х годах, черпают свое вдохновение в работах итальянских мастеров XV века, а также во флорентийском ренессансе, как одну из реакций на промышленную революцию происходившую в Англии.

Новый стиль начинает развиваться там под лозунгом возврата к органичности, простоте и функциональности изделий средневековых художественных ремёсел, а также искусства раннего Возрождения. Художественное движение, связанное с деятельностью «прерафаэлитов», философией и эстетикой теоретиков искусства Джона Рёскина и практикой мастерских «Искусства и ремёсла» Уильяма Морриса, получает распространение в прикладном искусстве и архитектуре[6]. Теоретические основы движения «Искусства и ремесел» в виде тезисов заложили Уильям Моррис и Джон Рёскин, которые в дальнейшем оказали влияние на работы Артура Макмердо и Чарльза Ренни Макинтоша, которые определили развитие одного из направлений нового декоративного искусства. В своих идеях они выступают против индустриализации и призывали за возвращение к средневековой гильдии, к изучению естественного мотива с использованием «очищенных» форм. В процессе формирования идей родилось течение, названное эстетизмом, в рамках, которого работали такие художники, как Оскар Уальд, Эдвард Берн-Джонс и Обри Бердсли. Новое движение развивалось под сильным влиянием художников-прерафаэлитов, таких как Данте Габриэль Россетти и Эдвард Берн-Джонс, особенно это сказалось на творчестве британских художников-графиков 1880-х годов Селвина Имиджа, Хейвуда Самнера , Уолтера Крейна, Альфреда Гилберта , и особенно Обри Бердсли.

Предшественником дизайна в стиле модерн считается Артур Макмердо. Одними из ранних прототипов нового стиля являлись Красный дом с интерьерами Морриса и архитектурой Филиппа Уэбба и Павлинья комната Джеймса Уистлера. А оформленная Артуром Макмердо обложка книги "Городские церкви Ренна" считается первым графическим произведением в стиле модерн.

Развитие предмодерна в Бельгии и во Франции[править | править код]

Во Франции на развитие модерна сильное влияние оказал теоретик архитектуры и историк Эжен Виолле-ле-Дюк, который являлся противником историзма. В своих теоретических трудах по рационализму в книге "Интервью по архитектуре" (фр. Entretiens sur l'architecture) он не отвергает современный материал (в частности, железо), но вместо этого хочет, придать ему декоративную и эстетическую функцию.

« Используйте средства и знания, данные нам нашим временем, без вмешательства традиций, которые уже не являются жизнеспособными сегодня, таким образом мы можем открыть новую архитектуру. Для каждой функции свой материал; для каждого материала своя форма и орнамент »

Как представитель неоготического стиля, он вдохновил своими работами многих архитекторов модерна, таких как Луи Салливана, Виктора Орта, Гектора Гимара , и Антонио Гауди, в частности, его фрески, написанные в соборе Шато-де-Роккилладе являются прекрасными примерами связи между неоготическим стилем и модерном.

Предмодерн во Франции, как субъект искусства, стремился быть более рациональным и менее обращенным к прошлому. Важную роль в интеграции изобразительного искусства и декора сыграли французские художники Морис Дени, Пьер Боннар и Эдуард Вуйяр.

В Брюсселе с 1884 года существовала авангардная среда — группа двадцати, (сообщество меценатов и художников), которая занималась поисками новизны для освобождения от историзма. Выставки с участием группы проводились без использования официальных салонов. Большинство участников группы являлись поклонниками инновационных стилей Макмердо, и они приглашали многих прогрессивных художников. Эта группа, пожалуй, первая, кто интегрирует предметы декоративного искусства в выставку живописи и скульптуры. На это движение очень повлияли английские мыслители и художники, такие как Уильям Моррис , Джеймс Эбботт, Макнил Уистлер или Обри Бердсли.

Но именно в 1892 году в Брюсселе Виктором Орта, Анри Ван де Вельде и Полом Ханкаром, а затем во Франции были определены формальные принципы архитектуры, конкретно называемыми «модерном».

Развитие предмодерна в Испании[править | править код]

Каталонский модернизм формировался в 1870-х годах под влиянием нескольких факторов: художественное обновление, и параллельное развитие с другими современными видами искусства, поиском новых формальных выражений и желанием оказаться в современном европейском масштабе. По словам писателя Джоан Фустера, эти поиски были направлены ​​на превращение «традиционной региональной культуры в современную национальную культуру» .

Примеры начала каталонского модернизма можно найти в 1871 году во дворах новой провинциальной архитектурной школы в Барселоне, которой руководили Элис Рогент, а также в работах Жозепа Доменека. Однако считается, что в Каталонии модернизм начинается в 1888 году, со времени проведения первой универсальной выставки в Барселоне, для которой было построено большое количество модернистских зданий, таких как Триумфальная арка в Барселоне и Замок Трех Драконов.

Это движение представляло собой концептуальное и стилистическое сходство с различными вариантами стиля модерн, которые развивались в Европе в то же время. С другой стороны, оно выделялось в соответствии с тремя аспектами: развивалось в продолжение каталонского возрождения (1833-1880); развивалось в то время, когда возникла насущная потребность в политическом и социальном развитии и обновлении в Испании; кроме того, в отличие от других европейских стран, оно стремилось создать национальное искусство, где другие страны стремились пересечь свои границы. Архитектор Антонио Гауди является главным представителем новых тенденций этого движения, начиная с 1886 года.

Общая хронология[править | править код]

Период развития модерна: конец 1880-х — 1914 год — начало первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы[7].

Условно выделяют 3 этапа развития стиля:

  1. 18901900 годы: выдвижение задачи и решительное обновление художественно-образного языка архитектуры, разработка новых приёмов пространственных композиций сооружения, усиление тенденций использования новых материалов (сталь, бетон и т. п.), ориентация на орнаментальность, поиск новых декоративных мотивов и т. п.
  2. приблизительно 1900—1905 годы: характеризуется постепенным отходом от декоративности, более последовательным освоением строительных материалов нового образца.
  3. примерно до 1910-х годов: отмечен стремлением к простоте, строгости, последовательному изучению строительной техники[8] .

Начальный период развития модерна[править | править код]

В период с 1890 по 1895 годы движение модерна развивалось по всей Европе с большой скоростью, поэтому очень трудно определить его точных инициаторов. Тот факт, что многие дисциплины очень быстро овладевали представленными новыми формами, создавали у современников впечатление, что они присутствуют при возникновение нового художественного движения, охватывающего все аспекты жизни человека.

Французский исследователь Пол Гринхалх определяет начальную фазу движения стиля между 1893 и 1895 годами, вокруг четырёх событий, происходивших в основном в крупных столицах Европейских государств: Лондоне, Брюсселе и Париже.

  • Первое событие — публикация в первом номере британского журнала "Студия" (англ. The Studio) рисунков Обри Бердсли в 1893 году. Этот молодой иллюстратор впервые представляет стиль рисунка, который будет характерен для стиля модерн.
  • В том же году появились первые дома и внутренняя отделка в стиле модерн в Брюсселе, спроектированных Полом Ханкаром и Виктором Орта, особняк Тасселя, которого был завершен в 1893 году. Орта был первым, кто использовал кривую линию, как символ всего движения стиля модерн. Изменчивость пространств повторяет изгибы растений, которые окружают изделия из железа, мозаики, фрески и витражи, элементы как структур, так и орнаментов. Орта проектирует уникальное здание с мебелью, которая соответствует ритму стен и архитектуры; он разрабатывает узоры ковров, конструирует мебель: это явление получает название «Тотал Арт». После этого Орта переехал в Париж, где его работы адаптировал к своим проектам Гектор Гимар, который видел его работу в Брюсселе и применил его стиль для оформления входов в новое Парижское метро .
  • В 1894 году , находясь в бельгийской столице, Генри Ван де Вельде опубликовал брошюру "Расчистка искусства" ( фр. Le Déblaiement d’Art), которая сделала шаг назад к современным художественным разработкам и осудила мир институционализированного искусства. Это отражение — первая интеллектуализация двух сильных идей стиля модерн: ценность декоративного искусства наряду с так называемым благородным искусством и важность общей гармонии в любой декоративной работе.[9]
  • Последнее событие, которое завершило начальную фазу движения, стало открытие в Париже в 1895 году в "Доме нового искусства" (фр. Maison De L’Art Nouveau) магазина и выставочного центра Зигфрида Бинга, который популяризовал стиль в столице и сделал его известным широкой публике.

Быстрому распространению стиля способствовали обильно иллюстрированные журналы по искусству и архитектуре,"Оригинальный отпечаток" (фр. L'Estampe originale), "Студия" (англ. The Studio), "Югенд" (нем. Jugend) и другие, которые распространили новые идеи.

Развитие коммуникации позволяло архитекторам путешествовать между городами Европы, в частности, между Брюсселем и Парижем для установления связей. Например на проекты Гектора Гимара сильное влияние окажет архитектура Виктора Орта, которую он увидел во время поездки в 1895 году в Брюссель. Аналогичным образом произойдет установление связей между городами Веной и Глазго благодаря архитекторам Отто Вагнером и Чарльзом Ренни Макинтошем.

Этап "зрелого" модерна[править | править код]

Дальнейшему распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наивысшей точкой развития модерна явилось его представление на Всемирной выставке 1900 года в Париже. В период с апреля по ноябрь, выставку посетили почти пятьдесят миллионов человек со всего мира, которым были продемонстрированы архитектура, дизайн, стеклянная посуда, мебель и декоративные предметы стиля. На выставке были представлены работы таких художников, как Луис Тиффани, Альфонс Муха, Рене Лалик, а также Эмиль Галле.

Из Бельгии и Франции модерн распространился на остальную часть Европы, приобретая разные названия и характеристики в каждой стране. Он часто появлялся не только в столицах, но и в быстро растущих городах, которые хотели создать свою художественную самобытность (Турин и Палермо в Италии; Глазго в Шотландии; Мюнхен и Дармштадт в Германии), а также в центрах движений за независимость (Хельсинки в Финляндии, как части Российской империи); (Барселона в Каталонии, Испания).

Спад и угасание стиля[править | править код]

В период с 1900 по 1914 год, модерн стал центром исследовании, дискуссии и объектом критики. Еще в 1900 году многие искусствоведы боролись с этим движением. В частности, они утверждали, что в модерне не соблюдается один из принципов декоративно-прикладного искусства а именно то, что орнамент объекта должен подчиняться его функции. На Всемирной выставки 1900 года один из критиков - Чарльз Генуйс, поднял этот вопрос, среди прочих.

В 1904-1905 годах, французские ультраправые ассоциации осудили Гектора Гимара. Эти движения, использовать такую же риторику, как и в отношении евреев, обвиняя художника в том, что он противопоставляет себя нации.

Кроме того многие мастера модерна "увязли" в успехе стиля, который имел большой успех на Всемирной выставке 1900 года.

Упадок модерна можно проследить, в частности, по удаленности некоторых его создателей, по отношению к представителям других стилевых направлений.

С 1910 года выставки декоративно-прикладного искусства были наполнены предметами старых стилевых направлений не оставляя при этом места для предметов модерна. В 1910-х годах значение модерна начало угасать, а к 1914 году, с началом Первой мировой войны он был в значительной степени исчерпан. Однако, производство объектов модерна продолжалось и после Первой мировой войны с некоторым успехом в течение многих лет, но в основном это были простые копии.

В 1920-х годах модерн, в качестве доминирующего архитектурно-декоративного стиля, сменил арт-деко, а затем модернизм.

Только в конце 1960-х годов, начиная с большой выставки работ Гектора Гимара в Музее современного искусства в 1970 году, модерн стал получать положительные отзывы со стороны критиков.

Развитие модерна в различных странах[править | править код]

В европейских стран развитием модерна занимались, как отдельные мастера, так и группы и объединения художников, работающие в новом стилевом направлении: «Выставочное общество искусств и ремёсел» (1888) в Великобритании, «Мир искусства» (1890) в России[10] , дрезденские и мюнхенские «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897), «Школа Нанси» (1901) во Франции, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1907) в Германии.

Развитие модерна в Бельгии[править | править код]

Бельгия была ранним центром развития модерна, во многом благодаря архитектору Виктору Орта, который разработал проект одного из первых домов в стиле модерн - особняк Тасселя, а также еще три особняка в новом стиле. В настоящее время все они являются объектами всемирного наследия ООН. Орта оказал сильное влияние на работу молодого Гектора Гимара, который приехал посмотреть на особняк в стадии строительства, а затем заявил, что Орта был "изобретателем" модерна. В оформлении фасадов и интерьеров Орта использовал обилие стекла, чтобы открыть пространство и осветить комнаты светом, и железа для украшения коваными железными колоннами и перилами в изогнутых вегетативных формах, которые бы отражались на полах и стенах. Также Орта разработал проекты мебели и ковров.

Пол Ханкар был еще одним пионером брюссельского модерна. Его собственный дом был достроен в 1903 году, в том же году, что и особняк Тасселя, на фасаде которого были изображены фрески в виде сграффито. На творчество Ханкара сильное влияние оказали идеи Виолле-ле-Дюка и английского движения "искусства и ремесел". Его концепция заключалась в том, чтобы объединить декоративно-прикладное и изобразительное искусство в целое. Он поручил скульптору Альфреду Крику и художнику Адольфу Креспину украсить фасады домов своими работами. Наиболее ярким примером был дом и студия, построенная для художника Альберта Чиамберлани в Брюсселе, для которого он создал красочный фасад, покрытый сграффито с окрашенными фигурами и орнаментом, воссоздавая декоративную архитектуру Италии XV-го века.

Еще одним видным брюссельским архитектором был Гюстав Страувен, прежде чем начать свою собственную практику в возрасте 21 года он был помощником Орты, Его самая известная работа - Дом Сен-Сир в Брюсселе. Имея ширину всего четыре метра, он был украшен сверху вниз изогнутым орнаментом, в стиле модерн-барокко.

Другими заметными бельгийскими мастерами модерна являлись архитекторы Генри ван де Вельде, декоратор Гюстав Серрурье-Бови и художник-график Фернан Кнопф.

Развитие модерна во Франции[править | править код]

После всемирной выставки в 1900 году "столицей" модерна стал Париж. Самые экстравагантные здания были спроектированы архитектором Жюлем Лавиротом, фасады которых были полностью покрыты керамическим скульптурным оформлением. Наиболее ярким примером его работ является «Дом Лавиротти». Офисные здания и универмаги отличались высокими дверями, покрытыми витражами и керамической отделкой. Стиль был особенно популярен при оформлении интерьеров ресторанов и кафе.

Статус Парижа привлекал в город иностранных художников. Художник швейцарского происхождения Эжен Грассе был одним из первых создателей французских плакатов в стиле модерн. Он участвовал в оформлении интерьеров знаменитого кабаре «Чёрный кот» (фр. Le Chat Noir) в 1885 году, так же он выполнил плакаты для Парижской выставки и плакат для Сары Бернар.  В 1896 году Теофил-Александр Стейнлен создал знаменитый плакат для кабаре «Чёрный кот». Чешский художник Альфонс Муха прибыл в Париж в 1888 году, а в 1895 году сделал плакат для пьесы «Жисмонда» (фр. Gismonda) Виктора Сарду в Театре эпохи Возрождения. Успех этого плаката привел к контракту на производство плакатов еще для шести пьес Сары Бернар.

Город Нанси в Лотарингии стал второй столицей модерна во Франции. В 1901 году был основан провинциальный альянс индустрии искусства, также известный как «Школа Нанси», которая была посвящена нарушению иерархии - живопись и скульптура должны располагаться выше, чем декоративно-прикладное искусство. Основные художники, работающие в школе: Эмиль Галле, Луи Мажорель, архитектор Анри Соваль.

Французский стиль широко распространялся благодаря журналам, в том числе, "Студия", "Искусство и идеи" (фр. Arts et Id'es) и "Искусство и натуральность" (фр. Art et D'coration), чьи фотографии и цветные литографии сделали стиль известным по всему миру.

Во Франции, стиль достиг своего расцвета в 1900 году, а затем быстро вышел из моды, практически исчезнув из Франции в 1905 году. Модерн был роскошным стилем, который требовал для изготовления высокооплачиваемых мастеров, и изделия выполненные в этом стиле не могли быть легкими и дешевыми в изготовлении, как предметы массового производства. Одними из немногих предметов в стиле модерн, которые являлись продуктом массового производства в то время были флаконы духов, производимые массово до настоящего времени с сохранением стиля.

Развитие модерна в Нидерландах[править | править код]

В Нидерландах, в отличие от Бельгийского изогнутого и цветочного направления модерна, развивалось другое направление - более конструктивное и функциональное. На него оказали влияние геометрические и стилизованные формы немецкого "югентштиля" и "венского сецессиона".

Наиболее важным нидерландским архитектором и дизайнером мебели был Хендрик Петрюс Берлаге, который осуждал исторические стили и выступал за функциональную архитектуру. Он писал:

« Нужно бороться с искусством иллюзии, признавать ложь, чтобы найти суть, а не иллюзию »

Он также был поклонником архитектурных теорий Виоллет-ле-Дюка, который стремился к строгой функциональности и уважению естественных форм дерева, без изгибов и скручивания, как металл. При изготовлении мебели в качестве примера он использовал египетскую мебель с прямыми углами. Его первой и самой известной архитектурной работой было здание товарной биржи Берс ван Берлэйдж в центре Амстердама (1896-1903), которую он построил в соответствии с принципами конструктивизма. Все было функциональным, включая линии заклепок, которые украшали стены. В проекты своих зданий он часто включал высокие башни, чтобы сделать их более заметными. Такая практика, использовалась, так же другими архитекторами модерна того времени, включая Джозефа Марию Ольбриха в Вене и Элиэля Сааринена в Финляндии. Другой его известной работой в стиле модерн были американский отель (1898-1900).

Другими заметными Нидерландскими архитекторами были Герман Хендрик Баандерс и Геррит ван Аркель. Проекты зданий Астория (1904-1905) в Амстердаме; железнодорожный вокзал в Харлеме (1906-1908), и бывшее офисное здание компании "Holland America Lines" (1917) в Роттердаме.

Известным художником-графиком и иллюстратором в стиле модерн был Ян Toроп, чьи работы имели склонность к мистике и символизму. В его работах в дизайне и цвете, прослеживалось влияние искусства острова Ява.

Важными мастерами в изготовлении керамики и фарфора являлись Юрриан Кок и Тео Коленбрандер. В своих работах они использовали красочный цветочный узор, наравне с традиционными мотивами модерна, они использовали необычные формы керамики и контрастные темные и светлые цвета, заимствованные из батикского украшения Ява.

Развитие модерна в Великобритании[править | править код]

Модерн берёт своё начало в Великобритании, в идеях движения "Искусств и ремесел", созданного в 1860-х годах и достигшего международного признания в 1880-х. Движение призывало к возрождению декоративно-прикладного искусства, черпало вдохновение в средневековом ремесле и дизайне, а также в природе.

Работы Макмердо — обложка книги «Городские церкви Ренна» и знаменитый стул из красного дерева, созданные в 1883 году, — являются одними из первых работ в стиле модерн.

Другим важным новатором в Великобритании являлся Обри Бердсли, чьи рисунки и графические работы содержали в себе изогнутые линии, которые стали наиболее узнаваемой особенностью стиля.

Работы британских художников-графиков Уолтера Крейна и Чарльза Эшби также имели важное значение для развития стиля.

Универмаг Либерти в Лондоне сыграл важную роль в развитии предметов декоративно-прикладного искусства модерна, созданных специально для реализации в магазине, художником Арчибальдом Ноксом: текстиль с красочными стилизованными цветочными узорами, серебряные, оловянные и ювелирные изделия, в которых используемые формы и материалы полностью «отрывались» от исторических традиций ювелирного дизайна.

Для архитектуры модерна и дизайна мебели наиболее важным центром развития в Великобритании был Глазго, во главе с Чарльзом Ренни Макинтошем и созданной им Школой Глазго, чьи работы были созданы под влиянием шотландской баронской архитектуры, японского искусства и Венского сецессиона. Макинтош выставлял свои проекты на международных выставках в Лондоне, Вене и Турине. Его архитектурные творения включали здание Glasgow Herald (1894) и библиотеку Школы искусств в Глазго (1897). Он также зарекомендовал себя как дизайнер мебели и декоратор, работая в тесном контакте со своей женой, Маргарет Макдональд Макинтош. Вместе они создавали яркие проекты, в которых сочетались геометрические прямые линии с мягко изогнутыми цветочными украшениями.

Леон-Виктор Солон внёс важный вклад в развитие керамики в модерне. Он специализировался на бляшках и трубчатых вазах, а также занимался разработкой дизайна тканей.

Модерн в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве[править | править код]

Модерн в Архитектуре[править | править код]

Основная статья: Архитектура модерна

Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых материалов (металл, бетон, стекло).

Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно эстетичных и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы — лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта. В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, и даже дверные ручки — всё проектировалось в едином стиле. Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.

Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл испанский архитектор Антонио Гауди. Здания, сооружённые им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.

Модерн в живописи[править | править код]

На живопись модерна сильное влияние оказал символизм, который стремился переходить от традиционных форм XIX века к новейшим европейским течениям, носившим порою условную принадлежность к той или иной стране.

Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала «Понт-авенская школа» с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.

Для живописи характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных «ковровых фонов» и «вылепленных» со скульптурной чёткостью фигур и лиц первого плана (Густав Климт, Фернан Кнопф, Михаил Врубель), а также больших цветовых плоскостей (Леон Бакст , Эдвард Мунк) и тонких подчёркнутых нюансов (Михаил Врубель, Александр Бенуа). Всё это придавало картинам большую выразительность. Также символизм привнёс в живопись модерна символику линии и цвета; были широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики; распространённым стало обращение художников к миру тайны, сна, легенды, сказки и др. Ярким образцом живописи модерна являются полотна Климта. Художники модерна творили во всех странах Европы и Америки: Австрии, Великобритании, Германии, Италии, Голландии, России, США и др. (См. также список художников эпохи модерна.)

Графика модерна[править | править код]

«Мод Адамс как Жанна д’Арк». Альфонс Муха. Афиша 1883 года

Графика стала той областью, из которой произрастали и в которой развивались мотивы стиля, и большое влияние на его развитие оказала обложка, созданная для книги под названием «Городские церкви Рена» английским художником и архитектором Макмердо. К особенностям этого дизайна, появившегося в 1883 году, относятся цвета и сильно изгибающиеся стебли и листья в монохромном исполнении. Поскольку такая обложка принадлежала книге, посвящённой архитектуре и купленной, вероятно, многими британскими архитекторами, она оказала сильное воздействие на создание изгибов и форм архитектурного стиля ар-нуво[11].

В конце XIX века сформировался тот вид графики, который принято называть плакатом. Рождение плаката обусловлено новшествами в типографской промышленности. Настоящему искусству плаката открыла путь техника литографии. Тираж издания мог составлять несколько тысяч оттисков[12].

Литография, искусство книги (книжный дизайн), графика достигли в период модерна высокого подъёма благодаря работам англичанина Обри Бёрдсли, немцев Томас Гейне, Г. Фолегера и русских мастеров Александр Бенуа и Константина Сомова. Большие художественные достижения обрел модерн в создании афиш и плакатов (работы Эмиля Грассе во Франции, Альфонса Мухи в Чехии).

Первыми модернистами во Франции стали ученики Гогена, а в Англии — последователи «прерафаэлитов».

Наиболее значительными фигурами английского модерна стали Ульям Блейк и Обри Бёрдсли — автор иллюстраций к «Саломее» Оскарда Уальда и рисунков для журнала «Желтая книга». Графика Бёрдсли — классика модерна. Русский график Николай Кузьмин говорил, что Бердсли отделил свет от тьмы. Для света — белая бумага, для тьмы — чёрная тушь. И никаких полутонов. Линия приобрела удивительную силу. Началась новая эра графики. Крайняя простота средств: только чёрное и белое, лист бумаги, перо, флакончик туши. Но там, где он хотел показать свою поразительную «способность стараться», его техника становится похожей на тончайшее кружево: фронтисписы к «Саломее», к «Венере и Тангейзеру», «Вольпоне», сюите «Похищение локона»[13].

Графика модерна обладала собственными выразительными средствами: энергичный обобщённый рисунок, резкие контрастные цветовые соотношения, использование больших технических возможностей литографии содействовали развитию такой разновидности графики, как афиша, плакат. Для них характерны тщательно разработанные композиции, декоративные и шрифтовые[12].

В России большую роль в становлении плаката сыграли мастера объединения «Мир искусства». Плакат предоставлял им массовую трибуну, с которой они могли заниматься эстетическим просветительством.

В 1896 году в Мюнхене начал выходить журнал «Югенд». К этому времени в Германии сложилась развитая полиграфическая промышленность. Книжное, журнальное дело, имевшее давние традиции, достигло расцвета. Получили широкое распространение многоцветная печать, крупноформатный литографированный плакат и вместе с тем миниатюрная рекламная наклейка. Развивались другие малые жанры: экслибрис, рекламная листовка. Музеи Мюнхена и Берлина заказывали полиграфистам своеобразные пригласительные билеты. Каталоги издательских фирм, книжных магазинов, нередко, являлись настоящими графическими шедеврами, представлявшими картины художников[14].

Мастера немецкой графики искали новые технические приёмы. К таким новшествам можно было отнести рисование на грубой зернистой бумаге с предварительным покрытием её белилами. Чтобы, например, получить мягко расплывающийся штрих, мюнхенские графики стали широко использовать японскую кисть. Ещё один новаторский прием получение на белой бумаге отпечатка фактуры грубой материи, слегка пропитанной тёмной краской. Фон напоминал зернистую поверхность холста; нанесенный на него штрих приобрел специфические свойства. Графики учились обрабатывать бумагу разными кислотами, чтобы превращать её в подобие пергамента. Линии на такой бумаге выглядели по-новому[14].

Скульптура модерна[править | править код]

На скульптуру модерна, так же как и на живопись сильное влияние оказал символизм. Основные черты скульптуры стиля модерн — это возвращение к «природным» линиям. Характерны текучесть и динамизм форм, «внутренняя энергия». Скульптура модерна декоративна, её предназначение украшать пространство, подчинять его единому ритму. Среди скульпторов модерна особо выделяют двух французских мастеров: Огюста Родена и Аристида Майоля.

Среди десятка работ Родена самая известная — «Мыслитель». В своих работах он прославляет великую силу любви, её красоту и бессмертие. Другие его известные работы: «Первый поцелуй», «Вечная весна», «Поэт и муза».

Каталонец Аристид Майоль занялся скульптурой будучи уже хорошо известным мастером живописи. Экспериментируя с обнаженной женской натурой, он пытался создать образы естественной красоты, подчеркивал природную гармонию женского тела, чувственность и эмоциональность. Его работы — «Помона», «Ночью, Река», «Три нимфы» — находятся в лучших музеях мира, а всё его творчество по праву относится к шедеврам европейского пластического искусства.

Необычное видение мира и трактовка человека характерны для творчества чешского модерниста Франтишика Билека. Для его работ характерны полный реализм и достоверность изображения. Персонажи его работ — Моисея, Гуса — отличает новизна и нестандартная трактовка.

Другими блестящими образцами модерна в скульптуре являются работы Наума Аронсона — портреты Комиссаржевской, Толстого, Пастера. Он единственный из художников создал скульптурный портрет, который теперь хранится в одном из музеев Израиля. Его работы украшают многие музеи и галереи мира[15].

Одним из наиболее ярких представителей этого стиля в Италии был Адольфо Вильдт, работы которого прошли в своём развитии путь от символизма через венский и берлинский сецессион до зачатков экспрессионизма.

Ювелирное искусство модерна[править | править код]

Для ювелирного искусства эпохи ар-нуво наиболее характерны такие общие черты стиля, как: использование плавных, естественных линий, подражающих форме листа или волны, избегание прямых геометрических форм, использование приглушенных пастельных и матовых цветов и материалов. Не отказываясь от золота, ювелирный стиль ар-нуво среди излюбленных материалов выделял полудрагоценные непрозрачные камни, такие как опал, лунный камень, бирюза, а также жемчуг, эмаль, слоновую кость. Бриллианты и другие драгоценные камни используются в изделиях ар-нуво преимущественно в качестве вспомогательных декоративных элементов. Превалируют растительные, зооморфные (стрекозы, ящерицы, летучие мыши, бабочки) и сказочные (нимфы, феи) мотивы.

Среди наиболее выдающихся ювелиров эпохи модерна можно отметить Жоржа Фуке, Тиффани и Рене Лалика.

Интерьер модерна[править | править код]

Интерьер в эпоху модерна стал играть более важную роль — это было продиктовано архитектурой, которая создала новые способы компоновки внутреннего пространства и открыла путь к полному соответствию внешнего пространства внутреннему. Самым первым интерьером модерна можно считать знаменитую «Павлинью комнату», оформленную Джеймсом Уистлером в Лондоне[16]. Интерьер строился на полном неприятии прежних архитектонических принципов оформления внутреннего пространства. Стены помещений покрывались не образующими, казалось бы, никакой закономерности причудливыми, асимметричными формами, капризно извивающимися линиями. Потолки декорировались, как правило, плоскорельефной гипсовой пластикой, стены оформлялись более красочно, занавеси делали светлыми[17].

Мебель модерна[править | править код]

Исследователи традиционно отмечают, что создатели мебели эпохи модерн придерживались одной из двух линий: представители французской, чешской и венгерской разновидностей стиля модерн — декоративной (капризные формы и контуры), немецкие и английские мастера — конструктивной (прямолинейность, ясное построение). Причем последняя более характерна для немецких и английских изделий. Предметы, тяготеющие к конструктивной ясности линий и форм, более просты, элемент декора сведен в них к минимуму. Это направление полнее всего представлено в творчестве мебельных мастеров Рихарда Римершмидта и Отто Панкока. В Австрии, а затем и в Германии было освоено производство таких мебельных форм (особенно шкафов), которые уже во всех отношениях отличались от прежних типов[17]. Предметы немецких, венских и английских мебельщиков, созданные в геометрическом «пуританском» стиле, яснее по конструкции и форме, проще, декор в них сведен к минимуму. Эта линия модерна ведет к подлинной современной мебели.

Гладкие, нерасчлененные мебельные поверхности стиля модерн получаются благодаря переходу на механизированное фанерование и сборку. Считается, что изогнутые формы мебели модерна берут с рождение ещё в середине XIX в., когда знаменитая венская фабрика Михаэля Тонета запустила в производство стул, сконструированный из гнутой под паром древесины, — «венский стул».

Одним из достижений модерна — считается то, что художники, проектировавшие мебель, наблюдали за осуществлением своих замыслов непосредственно в мастерских. Услугами проектировщиков пользовались даже при меблировке квартир в доходных домах. Это открывало возможность для осуществления идеи гарнитура, комплекта мебели. Близость художников—проектировщиков к производству благоприятно сказывалась на работе мастерских.

В мебели параллельно модерну сложился и ряд родственных ему стилевых направлений. Например, одно из них брало за источник японскую мебель. Также развивалась «готическая» ветвь модерна.

Французская, бельгийская и испанская мебель представлена изысканными шкафами-витринами и этажерками Луи Мажореля, Эмиля Галле и Гектора Гимара, «стулом-коброй» и «стулом- улиткой» Карло Бугатти, фантастически-органическими мебельными формами Антонио Гауди, плавно-текучими линиями корпусной мебели и мебели для сидения Анри Ван де Вельде. «Конструктивная» мебель создается Чарльзом Макинтошем и Маргарет Макинтош, мастерами знаменитых «венских» мастерских Коломоном Мозером, Адольфом Лоосом и другими, а затем продолжается в мебельных проектах Ф. Л. Райта[18].

Идея стилистической целостности пространства способствовала широкому распространению гарнитуров мебели, выполненных в едином стиле и вписанных в общее пространство помещения. Исключительно важное место занимали столовые гарнитуры, включая главную его часть — буфет или сервант, который, несмотря на вполне утилитарное предназначение, обычно размещался в гостиной, подтверждая статуса своего хозяина (под буфетом в классическом смысле этого слова понимают высокую, обычно более двух метров высотой, двух-, трёх- или четырёхстворчатую конструкцию, верхняя часть которой снабжена застекленными дверцами, а нижняя представляет собой тумбу с глухими дверцами или выдвижными ящиками). Классический сервант обычно отличается от буфета меньшей высотой верхней и нижней частей. Эти детали важно обозначить, потому что буфет, как предмет мебели, отличается максимально традиционной формой во все времена — изменить её было не под силу даже такому «своенравному стилю», как модерн. Однако именно в силу консервативности конструкции буфет стал отличной основой для воплощения творческих идей художников эпохи[19].

См. также[править | править код]

Регионы[править | править код]

Музеи[править | править код]

Примечания[править | править код]

  1. Тубли М. П.. Модерн в архитектуре и проблема стиля [1]
  2. В. Г. Власов. Триада «историзм, стилизация, эклектика», и постмилленизм в истории и теории искусства // Электронный научный журнал «Архитектон: известия вузов». — УралГАХУ, 2018. — № 3 (63).
  3. неизвестно. Модерн (кон. XIX - нач. ХХ вв) (рус.)  (неопр.) ?. https://amadey.ru/ (09.01.2021).
  4. 1 2 3 Женские образы в творчестве А.Мухи. 5fan.ru. Дата обращения: 18 ноября 2016.
  5. незвестен. Что отличает модерн от всех других стилей (рус.)  (неопр.) ?. https://www.liveinternet.ru/.
  6. АРХИТЕКТУРНЫЕ НАПРАВЛЕНИЯ . Архи.всЁ. www.cih.ru. Дата обращения: 19 ноября 2016.
  7. Власов В. Г. Модерн, "стиль модерн". — Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства. В 10 т.. — СПБ.: Азбука-Классика, 2006. — Т. V. — С. 556—577.
  8. Всеобщая история искусств (недоступная ссылка). modern.ah.bench.nsu.ru. Дата обращения: 19 ноября 2016. Архивировано 20 ноября 2016 года.
  9. Le Deblaiement d'Art (англ.)  (неопр.) ?. www.britannica.com.
  10. Модерн. Характерные черты. StudFiles. Дата обращения: 9 декабря 2016.
  11. Ар Нуво (Art Nouveau) (недоступная ссылка). TARTLE.NET. Дата обращения: 18 ноября 2016. Архивировано 19 ноября 2016 года.
  12. 1 2 Модерн. Характерные черты. StudFiles. Дата обращения: 18 ноября 2016.
  13. Administrator. Прикладное искусство, Декоративное искусство, Графика и книжный дизайн, Живопись и скульптура - Художественная культура XX века - Учебные материалы для студентов. studme.org. Дата обращения: 18 ноября 2016.
  14. 1 2 Югендстиль. Немецкая графика XIX - XX веков. Картины художников — Журнал по дизайну и культуре. www.5arts.info. Дата обращения: 18 ноября 2016.
  15. Скульптура стиля модерн, Музеи мира и картины известных художников. Дата обращения 18 ноября 2016.
  16. Модерн. Характерные черты - Стр 3. StudFiles. Дата обращения: 9 декабря 2016.
  17. 1 2 Кес. Стили мебели, 1981.pdf. vk.com. Дата обращения: 9 декабря 2016.
  18. Мебель стиля модерн - История интерьера. dominterior.org. Дата обращения: 9 декабря 2016.
  19. La_belle_epoque. Буфеты в стиле модерн. Обсуждение на LiveInternet - Российский Сервис Онлайн-Дневников. www.liveinternet.ru. Дата обращения: 18 ноября 2016.

Литература[править | править код]

  • Берсенева А. Архитектура модерна. Екатеринбург, 1992
    • Берсенева А. Европейский модерн: венская архитектурная школа. Екатеринбург, 1991
  • Борисова Е. А., Стернин Г. Ю. Русский модерн. Альбом М.Советский художник., 1990. 360 стр. ISBN 5-269-00028-8
  • Володина Т. Модерн: Проблемы синтеза. „Вопросы искусствознания“ 2-3/94, М., 1994
  • Горюнов В. С., Тубли М. П. Архитектура эпохи модерна. Концепции. Направления. Мастера. СПб.: Стройиздат, 1992
  • Дьяченко А. Немецкая графика конца XIX — начала XX века» , М. 1989 г
  • Кириченко Е. И. Архитектурные теории XIX века в России. М., 1т., 1993
    • Кириченко Е. И. Проблемы развития русской архитектуры середины XIX — начала XX вв. М., 1989
  • Колотило М. Н. Женский костюм эпохи модерна в России. СПб. 1999.
  • Крастиньш Я. А. Стиль модерн в архитектуре Риги. М., 1988
  • Лисовский В. Г. Стиль модерн в архитектуре. М.: Белый город, 2016.
    • Лисовский В. Г. Северный модерн: Национально-романтическое направление в архитектуре стран Балтийского моря на рубеже XIX—XX веков. СПб.: Коло, 2016
  • Миллер, Джудит. Путеводитель коллекционера. Модерн. АСТ, 2005 ISBN 5-17-028689-9
  • Нащокина М. В.: Архитекторы московского модерна.,1998
    • Нащокина М. В. Московский модерн. М., изд. Жираф, 2005 ISBN 5-89832-042-3
    • Нащокина М. В. Московский модерн. Проблема западноевропейских влияний. М., 1999
    • Нащокина М. В. Сто архитекторов московского модерна. М., 2000
  • Николаева С. И. Эстетика символа в архитектуре русского модерна. М., Издательство «Директмедиа Паблишинг», КноРус, 2003.
  • Розенталь Р., Ратцка Х. История прикладного искусства Нового времени. М.: Искусство, 1971
  • Сарабьянов Д. В. Стиль модерн. Истоки. История. Проблемы. В 2-х частях. М.: Искусство, 1989
    • Сарабьянов Д. В. Модерн. История стиля. Галарт, 2001
    • Сарабьянов Д. В. Русская живопись XIX века среди европейских школ. М., 1980
  • Стернин Г. Ю. Русская художественная культура второй половины XIX-начала XX века. М., 1984
    • Стернин Г. Ю. О Модерне // Музей. 1989. № 10
  • Тубли М. П. . Эпоха модерна — пример синергетического культурного пространства. «Terra Aestheticae». Теоретический журнал Российского эстетического общества.№ 1(1), 2018. СПб.: Этезис, 2018. С. 145—169.
    • Тубли М. П. . Так все же — «Стиль» или «Эпоха»? Архитектурный альманах. Выпуск 3, 2018. СПбГАСУ. СПб.: Издательско-полиграфический комплекс "НП-Принт, 2018. С. 19-27.
  • Фар-Беккер, Г. Искусство модерна. Konemann, 2004 ISBN 3-8331-1250-6
  • Харди У. Путеводитель по стилю ар нуво. Радуга, 2008 ISBN 978-5-05-006996-2, 1-85627-832-8
  • Неизвестный Фаберже… Каталог. М., 2003 ISBN 5-901772-08-3
  • Эстетика Морриса и современность. Под ред. В. П. Шестакова. М., 1987

Ссылки[править | править код]