История театра в США

Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Перейти к: навигация, поиск

История театра в США начинается со времени заселения Североамериканского континента, однако основное развитие драматического искусства приходится на колониальный период и основывается на западноевропейских театральных традициях[1]. Современный американский театр представлен нью-йоркским Бродвеем и множеством региональных театральных трупп разных стилей и направлений, профессионально занимающихся этим видом искусства.

Ранняя история[править | править вики-текст]

Эдвин Форест, популярный американский актёр

До основания в 1607 году первого английского поселения театр на территории современных Соединённых Штатов был представлен испанской драмой и театрализованными представлениями индейских племён[1]. Рождение американского профессионального театра, по-видимому, связано с именем Льюиса Холлема, театральная труппа которого прибыла в Уильямсбург (Виргиния) в 1752 году. Первое здание театра в Уильямсбурге было построено в 1716 году, а в январе 1736 года в Чарльстоне (Южная Каролина) открылся театр на Док-стрит, однако Холлемы были первыми, кто собрал в Европе профессиональную труппу и отправил её в Северную Америку.

Публике представили репертуар, состоящий из популярных в то время пьес: «Гамлет», «Отелло», «Офицер-вербовщик» и «Ричард III». Первым спектаклем, премьера которого состоялась 15 сентября 1752 года, стал «Венецианский купец» Уильяма Шекспира[2]. Встретив противодействие со стороны религиозных организаций, Холлем вместе с труппой был вынужден покинуть материк, направившись на Ямайку в 1754 или 1755 году. Вскоре после этого сын Холлема, Льюис Холлем-младший организовал труппу American Company и открыл театр в Нью-Йорке. В 1767 году он подготовил первую профессиональную американскую постановку — пьесу The Prince of Parthia, написанную американцем Томасом Годфри[3].

В XVIII веке несколько штатов приняли законы, запрещающие театральные представления: Массачусетс в 1750, Пенсильвания в 1759, Род-Айленд в 1761. Во время Войны за независимость США театры были закрыты в большинстве штатов по требованию Континентального конгресса[2]. Но несмотря на подобные ограничения некоторые авторы продолжали сочинять пьесы. Вероятнее всего, первые американские пьесы были созданы эмигрантами из Европы: известны оригиналы, написанные испанцем, французом и англичанином, самая ранняя датировка которых относится к 1567 году, однако первым опубликованным произведением является Androboros, опубликованный Робертом Хантером в 1714 году. Таким образом, в ранней истории театра Америки большинство новых пьес приходило из Европы, и только The Prince of Parthia Годфри в 1767 году становится чисто американским произведением. Оно, однако, стало вынужденной заменой для комической оперы The Disappointment; or, The Force of Credulity, а первым произведением, в котором основательно затрагивалась американская тема, была пьеса Роберта Роджерса Ponteach; or, the Savages of America, опубликованная в Лондоне годом ранее[4] . Зимой 1777-78 годов для войск Джорджа Вашингтона в долине Форж исполнялась пьеса Cato.

Период Американской революции стал благодатным для драматургов. Политические дебаты являлись плодородной почвой как для сатиры, которую можно найти в работах Мерси Отис Уоррен и полковника Роберта Манфорда, так и для героических пьес, как например произведения Хью Генри Брекенридж. По окончании войны за независимость началось зарождение американской социальной комедии, например, в пьесе Ройялла Тайлера The Contrast, впервые показавшем характерного персонажа — янки, носившего в этом произведении имя Джонатан. Но до драматурга Уильяма Данлэпа профессиональных авторов Америке не было. Данлэп, чья работа была связана с написанием пьес, переводами, управлением и историографией театра, заслужил титул «Отца американской драмы». Помимо перевода пьес Августа фон Коцебу и французских мелодрам, Данлэп создавал театральные произведения различных стилей, лучшими среди которых стали André и The Father; or, American Shandyism[4].

XIX век[править | править вики-текст]

Театр перед гражданской войной[править | править вики-текст]

Старейшим театром в Америке считается «Уолнат-стрит», или просто «The Walnut», расположенный на Уолнат-стрит в Филадельфии. Он был основан в 1809 году Цирком Пепина и Бресчарда. Первая театральная постановка в его стенах, The Rivals, состоялась в 1812 году. Среди посетителей театра были президент Томас Джеффеосон и маркиз де Лафайет[5].

Провинциальные театры часто испытывали недостаток в декорациях и бутафории. Одновременно с расширением страны на запад некоторые антрепренёры направляли на новые территории плавучие театры, построенные на баржах или речных судах. Эти театры путешествовали из города в город, подолгу задерживаясь в тех из них, которые могли оплатить несколько представлений. В 1841 году рекордным стало представление, державшееся на сцене в течение трёх недель.

Джон Дрю, известный американский актёр, в роли Петруччо в комедии «Укрощение строптивой»

Привычными среди постановок были произведения Уильяма Шекспира. Американские пьесы этого периода в основном составляли мелодрамы, знаменитым примером которых может служить «Хижина дяди Тома», написанная Джорджем Айкеном на основе одноимённого романа Гарриет Бичер-Стоу.

В 1821 году Уильям Генри Браун основал в Нью-Йорке African Grove Theatre. Это была третья попытка создать негритянский театр, и самая успешная. Труппа играла пьесы Шекспира, но среди них была поставлена и первое произведение, написанное чернокожим американцем — The Drama of King Shotaway. В 1823 году театр закрылся[6]. В целом негритянский театр в Америке был практически незаметен, только в 1858 получила известность пьеса The Escape; or, A Leap for Freedom, написанная освобождённым рабом Уильямом Уэллсом Брауном. После этого значимые произведения появились только в 1920-х годах во время Гарлемского ренессанса[6].

Популярной формой театрального искусства XIX века были менестрель-шоу, в которых загримированные под негров белые актёры (иногда, особенно после окончания гражданской войны — настоящие негры) разыгрывали комические сцены из жизни негров, а также исполняли стилизованную музыку и танцы африканских невольников. Представления, часто пародировавшие популярные спектакли и мюзиклы, были наполнены расовыми стереотипами и расистскими шутками.

В течение XIX века театральная культура ассоциировалась с гедонизмом и даже насилием, а актёры, особенно женщины, ставились чуть выше, чем проститутки. Джесси Бонд в середине XIX века писала: «Театр был в упадке, елизаветинская слава и георгианские условности как будто остались в прошлом, высокопарная трагедия и вульгарный фарс — вот из чего должен был выбирать театрал, театр превратился в место с ужасной репутацией»[7]. 15 апреля 1865 года, всего через неделю после окончания Гражданской войны в США, Авраам Линкольн был убит в театре Форда в Вашингтоне во время спектакля. Убийцей оказался имевший национальную известность актёр Джон Уилкс Бут.

Бурлеск, театральная комедия непристойной формы, пародирующая высокую культуру и искусство, пришел в США из Англии около 1860 года, превратившись в вид фарса, в котором женщины переодевались мужчинами и исполняли номера на злободневные темы политики и культуры. Бурлеск критиковали выраженную сексуальность и откровенные тексты, что выдавило его из общественных театров в салоны и бары. Продюсеры-женщины уступили место мужчинам, которые меньше затрагивали политику и больше эксплуатировали грубую сексуальность. В конце концов, шоу трансформировалось в достаточно невинное развлечение, в котором симпатичные девушки в открытой одежде пели песни, а мужчины-комики выступали с похабными шутками.

Американская драма в период перед гражданской войной носила вторичный характер, повторяя европейские мелодрамы и романтические трагедии, добавляя к ним национального колорита, апеллируя к американскому национализму и представляя интерпретацию текущих событий. Драматурги были ограничены в выборе тематики необходимостью обеспечить постановкам прибыльность, а значит, удовлетворяя относительно низкому вкусу. Отсутствие законов о защите интеллектуальной собственности являлось ещё одним ограничивающим развитие драматургии фактором. Лучше стратегией в это время являлось сочетать написание пьес с их исполнением или владением театром — по образу таких театральных деятелей, как Джон Говард Пэйн, Дайен Бусико и Джон Бругхэм. Популярными типажами этого периода были янки, негр, индеец, воплощение которых можно найти в брате Джонатане, Самбо и Метаморе. Одновременно с притоком иммигрантов увеличилось число пьес об ирландцах и немцах; наряду с этим затрагивались темы трезвости и католицизма Также завоевали популярность произведения о продвижении на Запад (в том числе о мормонизме) и правах женщин. Среди лучших произведений этого периода были Superstition; or, the Fanatic Father Джеймса Нельсона Баркера, Fashion; or, Life in New York Анны Коры Моуэтт, Putnam, the Iron Son of '76 Натаниэля Баннистера, The Octoroon; or, Life in Louisiana Дайена Бусико и Witchcraft; or, the Martyrs of Salem Корнелиуса Мэтьюса[4].

Театр после гражданской войны[править | править вики-текст]

В период Реконструкции Юга театры северных штатов испытывали послевоенный бум, что увеличило число и длительность постановок. Внедрение железнодорожного транспорта позволило театральным труппам вместе с декорациями легко перемещаться между городами, что привело к упадку небольших провинциальных театров. Изобретение электрического освещения также привело к изменениям в обустройстве театра: улучшению оформления сцены, обновлению внутреннего дизайна и зрительских рядов.

Актёры менестрель-шоу Роллин Говард (в женском костюме) и Джордж Гриффин (ок. 1855)

В 1896 году Чарльз Фроман, Эл Хейман, Эйб Эрлангер, Маркус Клау Сэмьюэл Ф. Флендерсон и Фред Циммерман организовали Театральный синдикат, который взял под контроль продажи билетов и подбор актёров на всей территории Соединённых Штатов. Монополия продержалась до начала XX века, когда у неё появился конкурент — агентство The Shubert Organization, созданное братьями Шуберт.

Для драматургов послевоенный период ознаменовался повышением уровня доходов и общественного уважения (в том числе и со стороны профессиональных критиков). По-прежнему популярными оставались мелодрамы и фарсы, а поэтические драмы и романтизм сошли на нет в связи со стремлением публики к реализму, который нашёл своё место в серьёзных драмах, мелодрамах и комедиях. Однако американский реализм имел отличия от европейского реализма Генрика Ибсена: это было сочетание сценического реализма с менее романтизированным восприятием жизни, соответствующим культурным потрясениям этого периода. Наиболее амбициозным сторонником реализма стал Джеймс Херн, вдохновлённый идеями Ибсена, Харди и Золя. Его главным достижением стала пьеса Margaret Fleming, созданная в соответствии с принципами, изложенным в эссе Херна «Art for Truth’s Sake in the Drama». Несмотря на то, что Margaret Fleming не понравилась ни публике, ни критикам: зрители посчитали, что автор уделяет слишком много внимания неблаговидным темам и представляет неприемлемые сцены, например, Маргарет на сцене кормит грудью внебрачного ребёнка — в других формах он завоевал признание. Примерами удачных реалистических пьес могут служить мелодрама Under the Gaslight Августина Дейли и Shenandoah Бронсона Говарда. Среди других ключевых драматургов этого периода — Дэвид Беласко, Стили Макей, Уильям Дин Хоуэллс, Дайен Бусико и Клайд Фитч[4].

XX век[править | править вики-текст]

Театр до Второй мировой войны[править | править вики-текст]

В конце XIX — начале XX века в Америке зародился новый жанр искусства — водевиль. Это театрально-эстрадное представление, состоящее из нескольких не связанных между собой номеров, оказало сильное влияние на ранние фильмы, радиопостановки и телевидение США. Своей формой этот жанр обязан американской традиции использовать антракты обычных спектаклей для коротких выступлений певцов и других исполнителей. Одним из долгожителей театральной сцены, начавший свою карьеру в водевиле и остававшийся в строю до 1990-х годов, был комик Джордж Бёрнс.

Некоторые театры водевиля, построенные между 1900 и 1920 годами никогда не меняли профиля деятельности, но многие прошли через периоды использования в других целях, как правило, в виде кинотеатров. Однако во второй половине XX века, со снижением численности населения городов и появлением в пригородах мультиплексов, часть зданий снова стали использоваться для живых представлений.

Традиционный театр в США в начале XX века, как и в Европе, стал сложнее. Таких театров в стране насчитывалось 1752. Актёры этого периода, например, Этель Берримор или Джон Дрю, иногда считались важнее, чем спектакль, в котором они участвовали. Появление кинематографа вызвало многочисленные изменения и в театре. Возросла популярность мюзиклов, вероятно, в какой-то степени из-за того, что кино демонстрировалось без звука и не могло конкурировать с музыкальными театральными постановками, пока в 1927 году на экраны не вышел звуковой фильм «Певец джаза». В этот период расцветает сложная и глубокая драма, исполнение роли становится более сдержанным. Но уже с 1915 года актёры начинают переходить в кино, а водевиль сталкивается с жёсткой конкуренцией со стороны фильмов.


Начало XX века традиционный театр встретил с прежней приверженностью реализму и дальнейшим совершенствованием драмы. Примерно в 1900 году также было отмечено возрождение поэтической драмы, что соответствовало всплеску внимания к жанру в Европе (Йейтс, Метерлинк, Гауптман). Наиболее заметным примером этого направления был спекталь «Библейская трилогия» Уильяма Вона Мооди, который одновременно отразил рос интереса к спектаклям на религиозные темы, ранее поднятым в произведениях «Бен Гур» (1899) и двух версиях романа «Камо грядеши» (1901). Однако известность Мооди принесли другие пьесы: The Great Divide (1906), позднее трижды экранизированная, и The Faith Healer (1909), совместно определившие направление развития современной американской драматургии с акцентом на эмоциональном конфликте, лежащем в основе конфликта социального. Среди других ключевых драматургов этого периода были (в дополнение к Хоуэлсу и Фитчу) Эдвард Шелдон, Чарльз Ранн Кеннеди и один из самых успешных женщин-драматургов Америки — Рэйчел Крозерс, которая вывела на сцену чисто женские вопросы, как например в пьесе He and She (1911)[4].

В период между двумя мировыми войнами американская драматургия достигла зрелости, в постановках стали использоваться различные комбинации стилей от натурализма до экспрессионизма, что вдохновила драматургов на создание произведений с большей свободой способов выражения идей. Другим, отличным от первого, направлением развития стали фольклорные и местечковые эксперименты и возвращение поэтической драмы. Одновременно появляются протестные и моралистические произведения. Вместе с искусством идёт развитие и театральной критики, появляется множество книг и журналов, посвящённых американскому театру[4].

В первые 20 лет XX века в музыкальном театре доминировали ревю, состоящие из несвязанных друг с другом вокальных, комедийных и танцевальных номеров. Впоследствии мюзиклы преодолели этот формат и перешли к сюжетным постановкам. Одним из первых спектаклей в новом формате стал Show Boat с музыкой Джерома Керна и либретто Оскара Хаммерстайна. Наряду с песнями, в нём имелись немузыкальные сцены, благодаря которым разрабатывался сюжет. Следующим крупным шагом вперёд стал первый мюзикл «Оклахома!», либретто которого написал Оскар Хаммерстейн, а музыку — Ричард Роджерс. Серьёзный драматический сюжет был воплощён с помощью музыки и танцев.

Наряду с профессиональными коллективами в США выступали и актёры-любители. 18 апреля 1884 года в Нью-Йорке был основана компания The Amateur Comedy Club, Inc. (ACC), которую создали семь человек, покинувших Madison Square Dramatic Organization, общественно значимую организацию, во главе которой стояли мисси Джеймс Браун Поттер и Дэвид Беласко. Первое представление ACC дало 13 февраля 1885 года. С тех пор эта группа выступает без перерыва до настоящего времени, что делает её старейшим театральным сообществом США. Среди известных ньюйоркцев, входивших в сообщество, были Теодор, Фредерик и Джон Стейнвеи, производители фортепиано; Гордон Грант, маринист; Кристофер Ла Фарж, архитектор; Ван Х. Картмелл, издатель; Альберт Стернер, художник; Эдвард Фэйлс Кауард, театральный критик и драматург. Элзи де Вольф, ставшая впоследствии первым профессиональным декоратором, играла в спектаклях клуба в первые годы XX века, как и Хоуп Уильямс, у которой брала уроки Кэтрин Хепбёрн. Джулия Харрис состояла в клубе в 1940-х. Директорами клуба в разное время Чарльз Коберн, Герьерт Доули, Джордж Ференц, Уолтер Гриза, Джозефин Халл, Говард Линдсей, Джин Локхарт, Пристли Моррисон, Рут Роусон, Майде Рили, Хосе Рубен, Джанет Хейс Уокер и Монти Вули.

Значительные социальные изменения, произошедшие во времена Великой депрессии повлияли и на театральную жизнь Соединённых Штатов. Театры стали выполнять общественную роль, привлекая в ряды актёров иммигрантов и безработных. Федеральный театральный проект (англ. Federal Theatre Project) в рамках программы «Новый курс» президента Франклина Рузвельта способствовал популяризации театров и созданию рабочих мест для актёров. Благодаря этой программе на сцене появились многие необычные и противоречивые пьесы, в том числе «У нас это невозможно» Синклера Льюиса и мюзикл The Cradle Will Rock Марка Блицштейна. В противоположность этому легендарный продюсер Брок Пембертон, основатель премии Тони считал, время как никогда ранее способствует комедийным постановкам, которые помогут забыть о суровых социальных условиях. Типичным примером воплощения этой позиции была комедия Personal Appearance (1934), написанная Лоуренсом Райли и выдержавшая 501 представление на Бродвее.

Годы между мировыми войнами были эпохой контрастов. Вершиной серьёзного искусства стали пьесы Юджина О’Нила, посвящённого событиям в мире на пороге Второй мировой войны. За свои произведения О’Нил был удостоен трёх Пулитцеровских премий (1920, 1922, 1928) и Нобелевской премии по литературе (1936).

1940 год стал переломным для афро-американского театра. Фредерик О’Нил и Абрам Хилл основали American Negro Theater, самый известный негритянский театр 1940-х годов. Труппа выступала на маленькой сцене в подвале гарлемской библиотеки, большинство пьес писали чернокожие сценаристы, такими же были и зрители. Среди произведений были Natural Man (1941) Теодора Брауна, Walk Hard (1944) Абрама Хилла и Garden of Time (1945) Оуэна Додсона. В этом театре делали первые шаги в карьере такие известные актёры, как Гарри Белафонте, Сидни Пуатье, Элис и Элвин Чилдресс, Осцеола Арчер, Руби Ди, Эрли Хаймен, Хильда Симмс[8].

Театр после Второй мировой войны[править | править вики-текст]

После Второй мировой войны американский театр окончательно сформировался. Американские драматурги, такие как Артур Миллер и Теннесси Уильямс, обрели мировую известность. Послевоенное поколение драматургов укрепило позиции, достигнутые в предыдущий период. При этом, начиная с появления радио, а затем телевидения, театральная аудитория непрерывно сокращалась, как и само число классических театров — только в Нью-Йорке между 1930 и 1951 годами число классических театров сократилось с 68 до 30, то есть более чем вдвое. Кроме того, большой обузой для театра стал налог с продажи входных билетов введённый в 1918 году, вскоре после окончания Первой мировой войны и с тех пор не пересматривавшийся, более того увеличенный в два раза в 1943 году[9]. В количественном аспекте, на 35697 посадочных мест в тридцати крупнейших нью-йоркских театрах в 1951 году приходилось 16955 мест в четырнадцати бывших театрах (т. е. треть от прежней суммарной аудитории), которые были перепрофилированы под набиравшие всё большую популярность радиотрансляции и телевизионные «перформанс».[10]

В 1950—1960-х годах экспериментальное искусство достигло театра, и на сцене появились такие спектакли как «Волосы», имевшие обнажённые сцены и ссылки на культуру употребления наркотиков. В 1960-х годах нашли дорогу к зрителю авангардные пьесы Джека Ричардсона, Артура Копита, Джека Гелбера и Эдварда Олби. Афро-американский театр также стал более зрелым, на передний план вышли такие авторы как Лорейн Хенсберри, Джеймс Болдуин и Амири Барака[4].

Мюзиклы сохранили привлекательность, а их лучшие экземпляры: «Вестсайдская история» и «Кордебалет» — били прежние рекорды популярности. Одновременно такие постановки, как мюзикл Company Стивена Сондхайма, начали отходить от классической формы, отказываясь от линейности сюжета и реалистичного антуража в пользу исследования внутреннего мира героев. Сондхайм создал мюзикл Follies, который был пастишем бродвейских ревю «Безумства Зигфелда»; выпустил Pacific Overtures, взяв за основу традиции японского театра кабуки; и, наконец, представил публике Merrily We Roll Along, выстроив сюжет в обратном порядке. В соответствии с теми же принципами, Боб Фосс в мюзикле Чикаго обратился к водевильным истокам жанра. Другими известными фигурами мюзикла были Ричард Адлер, Джерри Бок, Мередит Уилсон[4].

Начиная с середины 1960-х годов, с принятием законов о гражданских правах, снова, как и в 1930-е годы, возрастает количество произведений, посвящённых текущим событиям. Большинство крупных драматургов середины века продолжают плодотворно работать, но к ним присоединяются новые авторы, включая Сэма Шепарда, Нила Саймона, Ромулуса Линнея, Дэвида Рабе, Лэнфорда Уилсона, Дэвида Мэмета и Джона Гуэйра. Появляется множество талантливых драматургов-женщин: Бет Хенли, Марша Норман, Венди Вассерстейн, Меган Терри, Паула Фогель и Мария Ирен Форнес. Восстановление гордости этнических меньшинств приводит к появлению драматургов из этой среды, в том числе, чернокожего автора Огаста Уилсона, рассказавшего историю США в нескольких пьесах, составивших The Pittsburgh Cycle, по одной на каждое десятилетие XX века. Азиатский театр в Америке представлен в 1970-е годы Фрэнком Чином, а мировую известность получает благодаря пьесе M. Butterfly Дэвида Генри Хвана. Латиноамериканский театр вырос из перфомансов Луиса Вальдеза в Teatro Campesino до серьёзных работ, вроде Zoot Suit, а впоследствии достигнув и национальной славы с произведениями, получившими литературные и театральные награды. Среди этих авторов — Нило Круз, Хозе Ривера, Мигель Пиньеро, а наиболее успешным примером можно назвать мюзикл о доминиканцах в Нью-Йорке In the Heights, награждённый премией «Тони». Наконец, борьба за права сексуальных меньшинств и кризис СПИДа привел к появлению в театрах постановок значимых представителей данных групп, включая Тони Кушнера, мюзикл которого Angels in America, был удостоен премии «Тони» дважды за два последовательных года, и Джонатана Ларсона, композитора и либретиста мюзикла Rent, не сходящего со сцены более 20 лет[4].

В конце 1990-х и начале 2000-х годов американский мюзикл обратился к кинематографическим и оперным сюжетам. Джули Теймор, режиссёр мюзикла «Король-лев» поставила на сцене Метрополитен-опера «Волшебную флейту». Бродвейские постановки заимствовали несколько сюжетов Уолта Диснея: «Мэри Поппинс», «Тарзан», «Русалочка» — а начало этой практике положил мюзикл «Красавица и чудовище», который в 1990-е годы, можно сказать, вдохнул в Таймс-сквер новую жизнь. Также на фильмах были основаны постановки Мела Брукса «Продюсеры» и «Молодой Франкенштейн».

XXI век[править | править вики-текст]

Ранние формы театрального искусства, такие как менестрель-шоу и водевиль, со сцены исчезли, но сам театр в начале XXI века остается популярным видом искусства. Миллионы театральных зрителей ежегодно посещают бродвейские постановки, которые становятся сложнее и затратнее. В то же время театр становится площадкой для самовыражения, местом, где локальные группы могут проводить личностные исследования и поиски идентификации. Примером одной из таких групп может являться театральная труппа East West Players, объединившая в 1965 году американцев, имеющих азиатское происхождение. Среди значимых драматургов современности можно назвать Эдварда Олби, Огаста Уилсона, Тони Кушнера, Дэвила Генри Хвана, Джона Гуэйра и Венди Вассерстейн. Небольшие городские театры определили себя как источник инноваций, а региональные оставили за собой роль крупных центров театральной жизни. Драму преподают в старшей школе и колледжах, чего не было в предыдущие периоды. Благодаря этому интерес к театру просыпается у большего числа людей.

Примечания[править | править вики-текст]

  1. 1 2 The World Encyclopedia of Contemporary Theatre: The Americas. — New York City: Routledge, 2000. — ISBN 0-415-05929-1.
  2. 1 2 The First American Theatre.
  3. The Prince of Parthia: A Tragedy By Thomas Godfrey, reprinted 1917 by Little, Brown.
  4. 1 2 3 4 5 6 7 8 9 Meserve, Walter J. An Outline History of American Drama, New York: Feedback/Prospero, 1994.
  5. Walnut Street Theatre - History (англ.). Проверено 10 марта 2014.
  6. 1 2 World Encyclopedia, p. 402
  7. Introduction to Jessie Bond's memoir.
  8. World Encyclopedia, p. 403
  9. Statement of James F. Reilly, executive director of the League of New York Theatres, New York, N.Y.. Revenue Revision of 1951, hearings, 82nd Congress, p. 2362.
  10. Seating capacity of present/former legitimate theaters. Revenue Revision of 1951, hearings, 82nd Congress, p. 2363.